Propos recueillis le mercredi 3 février 2010

Aineka: J’ai constaté que le dimanche vous projetiez des films indépendants avec la présence des réalisateurs. C’est particulier à Paris, surtout des séances avec l’équipe en dehors des périodes de promotion. Comment ça se passe ?

François: A la base on a commencé avec des programmations pour enfants le dimanche. On faisait tourner une salle avec ça et petit à petit on s’est dit qu’on allait faire tourner l’autre salle. On s’est rendu compte que ce créneau du dimanche matin à 11h, en fait, c’est un très bon créneau ! On s’est mis à organiser des séances autour du documentaire. Depuis un an ou deux, on a une alternance entre un partenariat avec L’ACID (l’Association du Cinéma Indépendant pour sa Diffusion), ce sont eux qui choisissent les films et qui amènent les intervenants : ça peut être le réalisateur comme le producteur. Un dimanche sur deux, c’est un documentaire où la plupart du temps on reçoit le réalisateur. Lors des projections de l’ACID, les films peuvent être sortis de l’actualité ou être passés inaperçus lors de leur sortie mais c’est le but de cette association. Pour les documentaires, on essaie d’avoir des trucs qui sont sortis il n’y a pas très longtemps.

Zem: Entre les séances de films indépendants, les documentaires, les séances pour les enfants, les courts métrages, ça fait une programmation assez ouverte à d’autres choses que les sorties d’actualité. C’est une particularité de la salle ?

François: Ce sont les marges, on va dire. Il y a la programmation brut, tous les jours, de 14h à 22h, et les marges, comme les matinées, les petits truc qu’on peut organiser le soir sur ce genre de créneau. Après on ne peut pas organiser ça en retirant une séance du soir, sauf dans le cas des Soirées courts métrages. Ça cause certains grincements de dents, car quand on fait une soirée court métrage, on annule 2 séances d’un des 2 films qui tournent. Quand c’est des films un peu en fin de parcours, ça peut passer. Parfois ça peut poser de vrais problèmes avec le distributeur, car 2 séances du soir qui sautent, ça ne se fait pas…

Zem: Je me souviens que vous programmiez The Kid de Chaplin, je trouvais intéressant de montrer des films comme ça aux enfants. D’où vous vient ce genre de choix ?

François: Je ne m’occupe pas de la programmation. Cette programmation s’appelle l’Enfance de l’Art, organisée par une association qui s’appelle le Cinéma Indépendant Parisien. L’idée est de mutualiser les besoins. Tous les 3 mois, elles font un pré-choix et ensuite on se met d’accord sur un certain nombre de films. Effectivement, elles sont assez ambitieuses dans leurs choix. On a eut The Kid, comme des trucs plus pointus, ça n’empêche pas d’avoir Beattlejuice ou d’autres pour les tout petits.

Zem: De notre côté, nous aimons bien ces initiatives car le cinéma a aussi un rôle d’éducation…

François: C’est bien mais à ce détail près, pour avoir essayé plusieurs choses, je dirais qu’il y a soit un manque de curiosité soit de disponibilité du public qui fait qu’on a essayé des choses qui étaient ambitieuses et ça ne suivait pas du tout.

Zem: Comme par exemple ?

François: On avait fait une semaine « Jazz au cinéma ». Une semaine de films dont la bande son était Jazz, la plupart du temps c’était une musique originale. On avait bossé des mois là-dessus, c’était super bien monté, on avait des bons partenariats et finalement c’était ultra décevant. Le seul qui ait marche c’était « Ascenseur pour l’échafaud ». Je me suis dit, tout le monde l’a vu, on le met parce qu’il est magnifique. C’est le seul qui a rempli la salle, le seul connu. C’est difficile d’amener le spectateur à voir des truc différents.

Quand j’avais commencé, j’avais plein d’idées sur des trucs à faire. Je faisais la constatation qu’on voyait toujours les mêmes trucs au cinéma. Même au cinéma d’Art et d’Essai, les même rétrospectives : y en a marre ! Sauf qu’en projetant des films qui n’étaient pas connus, ou moins connus ça ne marche pas. Et la rétrospective Woody Allen en été, y a plein de monde alors que tout le monde les a vus, revus et re-revus !

Zem: Il y a quelque chose auquel on est attaché, en tant que cinéastes sur notre site, c’est les court métrages. Et si il y a bien un endroit où on a vu des court métrages, c’est ici.

Aineka: Du fait que vous organisiez des soirées court métrages, que vous projetiez des court métrages avant certains films, quelle est votre sensibilité par rapport aux court métrages ? Cherchez-vous à les défendre ?

François: Les soirées courts métrages, c’est un choix de la propriétaire des cinémas, Mme Sophie Dulac. C’était une volonté de sa part et ça se passe bien. C’est peut être un des seuls événements où on dépasse le public dit « de quartier ». L’idée était de faire un événement promotionnel pour faire découvrir la salle mais depuis 5 ans qu’on fait ça, on a créé un public pour les soirées courts métrages mais qu’on ne voit jamais à d’autres moments. Ça c’est un peu dommage.

Aineka: A la différence que ce que vous faites ici, c’est que vous projetez un court métrage avant un long. Exemple avec Le Refuge de François Ozon, précédé d’un court métrage de 6 minute de Nicolas Philibert.

François: C’est autre chose, il se trouve qu’on est abonnés à un dispositif qui s’appelle le R.A.DI (Réseau Alternatif de Diffusion) qui dépend de l’Agence du Court Métrage. Et eux proposent des forfaits, ce qui donne droit de diffuser toutes les semaines un court métrage. Mais bon, dans une salle qui ne gagne pas d’argent, ça revient à dépenser chaque année 1200 euros. Dès que l’opportunité se présente, on en met un. Mais le problème étant que l’opportunité se présente de moins en moins. Il faut que la durée du film s’y prête, environ 1h30, car il faut qu’on ai une inter-séance suffisamment grande. Et aussi que le programmateur ne se dise pas que sur une telle opportunité au lieu de 5 séances par jours, on en fera 6. Et puis il y a le problème de la durée, c’est-à-dire, le court fera 7 minutes maxi. On ne passera jamais un film de 10 minutes, encore moins de 15 minutes devant un film.

Ce qu’il y a de marrant, quand les gens entrent dans la salle, les agents d’accueil disent: « Vous aurez un court métrage en première partie » pour les informer et qu’ils ne pensent pas qu’ils se sont trompé de films. Il y a des gens qui nous disent « merci », parfois certains nous répondent « Oh ce n’est pas grave » ! Sauf qu’en discutant avec certains spectateurs j’ai compris aussi quelque chose, c’est que certains le vivent comme une contrainte. C’est-à-dire qu’ils sont venus voir un film et on leur impose un truc qu’ils n’ont pas choisi. Il peut y avoir aussi une réaction de rejet face aux court métrages.

Zem: Si le court est là, il y a une raison, un rapport avec le film ?

François: On essaie de faire en sorte, mais bon ce n’est pas dit. Cette semaine, c’est un rapport avec les enfants, mais souvent on essaiera de faire un rapport d’ambiance. De mettre un court dans l’esprit du film.

Aineka: Sur notre site, on s’est interrogé sur la place du court métrage ou de la publicité avant la séance. Personnellement, la pub nous agace !

François: Oui, c’est de la propagande. Il y a des gens qui viennent à l’heure pour voir la pub et quand on leur dit qu’il y a un court métrage ils nous disent : « Ce n’est pas grave». Si on va souvent au cinéma, ça devient du matraquage : se taper les mêmes spots dans la figure chaque jour.

Nous on a des séquences de pub qui durent entre 2 et 5 minutes. Et dans des cinémas dans notre situation on en a besoin. Mais chez nous, c’est une régie publicitaire qui gère cet espace. Ce qui est troublant c’est que les films annonces sont de plus en plus mélangés aux spots de régie publicitaire, ça saute un peu du coq à l’âne.

Alors que nous, les bandes annonces que nous passons sont celles des prochains films qui seront à l’affiche dans notre cinéma.

Zem: Pourquoi d’autres cinéma ne programment pas, comme vous, des soirées court métrages ?

François: Parce ce que ça engendre des frais. En général, ça nous coute environ 700 euros. Au début, c’était conçu comme un coup de coeur de la propriétaire des Ecrans de Paris, tout en faisant un événement qui fasse la promotion du lieu. Le résultat, c’est qu’on a réussi à créer un public pour les soirées court métrages !

Dans la troisième et dernière partie de l’interview, nous reviendrons sur les projections numériques et la délicate question de la rentabilité.

]]> http://www.lescineastes.fr/2010/03/interview-escurial-partie-2/feed/ 0 http://www.lescineastes.fr/2010/03/interview-escurial-1/ http://www.lescineastes.fr/2010/03/interview-escurial-1/#comments Thu, 11 Mar 2010 13:56:56 +0000 Aineka http://www.lescineastes.fr/?p=1729 Venant du désir de vous faire découvrir le quotidien de différents métiers du cinéma mais aussi pour sonder ses acteurs sur sa santé et son évolution, nous partons à la rencontre de professionnels. Aujourd’hui, voici la 1ère des 3 parties de l’interview de François Joannis, responsable de la salle L’Escurial, dans le 13ème arrondissement de Paris. Nous vous avons déjà parlé de ce cinéma dans les articles consacrés à la publicité au cinéma.

Propos recueillis le mercredi 3 Février 2010

Zem: Parlez-nous de vous, de votre parcours par rapport au cinéma…

François Joannis: Je suis venu au cinéma par hasard. Au départ c’était un boulot d’étudiant, j’ai remplacé un ami qui était opérateur au Champo, parti faire son service militaire. J’ai donc appris ce métier sur le tas. Et de fil en aiguille, quand cet ami est revenu, un autre libérait sa place. Ensuite, j’ai passé le CAP et c’est devenu mon job d’étudiant parce que ça se mariait bien avec les études, les horaires étaient souples. Et quand on est étudiant et qu’on est motivé pour bosser le soir et le week end, les gens avec qui on bosse sont très contents. A un moment j’en ai eu marre des études, une fois fini je me suis dit : « je préfère l’univers du cinéma, j’aime bien le métier qu’on y fait, j’aime bien les gens qu’on y croise ». Etre opérateur ça touche à tout, c’est en même temps technique, artistique : mettre en page, faire la promotion… c’est être en contact avec les spectateurs.

Quand on commence il y a toujours de l’adrénaline, on ne maitrise pas tout et dans les petites salles comme le Champo ou l’Epée de bois, il y a toujours des imprévus. Et projeter des films c’est participer au bonheur des gens, ils viennent pour se distraire.

Aineka : Vous avez évolué en 20 ans, du poste d’opérateur à aujourd’hui… ?

François: Mon titre officiel est Directeur de la salle. Après différents ajustements et diverses périodes, je dirais que je gère la salle. Quand on entend directeur, la plupart des gens me disent « vous programmez des films ? ». En fait non, pas du tout. La programmation est un métier complètement différent et que je ne voudrais faire pour rien au monde. C’est un métier de « Pit-Bull ».

Aineka: Pouvez-vous nous parler du métier de programmateur ?

François: La vison de la plupart des gens sur la programmation est : je regarde ce qui sort, je prend ce qui me plaît, je le mets quand je veux et je l’enlève quand je veux. Ce n’est absolument pas comme ça que ça se passe, sauf peut-être dans certaines salles de provinces. Mais le marché parisien est le marché phare, le marché le plus concurrentiel de France, qui rencontre les difficultés d’exclusivités et des résultats des premières semaines.

Zem: Comment se passe la programmation sur Paris ?

François: La programmation c’est un rapport de force permanent avec les distributeurs parce que les distributeurs et les exploitants n’ont fondamentalement pas les mêmes objectifs. A priori l’objectif de tout le monde, c’est que le film marche et fasse des entrées. Un exploitant cherchera à remplir sa salle. Un distributeur cherchera à ce que son film reste même s’il ne remplit pas la salle.

Il faut savoir que sur Paris c’est une répartition géographique par quartier. C’est à dire qu’un distributeur a sa carte de Paris et le nombre de copies qu’il veut mettre. Il dispatche selon les quartiers (quartier Bastille, quartier les Gobelins, etc.) en se demandant « où je vais mettre mon film pour qu’il fasse le plus d’entrées ? ». Donc si le film a un potentiel, que tous les exploitants le veulent, le distributeur va le mettre là où il pense qu’il va faire le plus d’entrées. Typiquement sur le quartier, il préfèrera le mettre à L’UGC Gobelins que chez nous. Et inversement, si son film est peu demandé, il se tournera vers nous et on aura du mal à avoir accès aux films très demandés. Les distributeurs ont dans la tête que leur film marchera mieux dans un UGC ou Gaumont alors que dans les faits ce n’est pas toujours vrai, ça peut même être l’inverse parfois.

On ne peut pas faire tourner une salle juste avec des films qui sont très beaux ou très sympas mais qui ne remplissent pas la salle. Sur Paris c’est très difficile et quand on a un cinéma qui a 2 salles c’est encore plus difficile. On peut moins faire tourner les films, alors qu’avec 3 salles on peut entrer un film porteur plus souvent.

Zem: Aujourd’hui, c’est surtout le fait de vouloir booster la première semaine d’exploitation, quitte à avoir une chute après, qui est important. Une sortie de plus en plus basée sur le buzz, l’actu et après on s’en fout. C’est votre sentiment ?

François: Oui, on est dans la consommation rapide. Il y a une telle rotation des sorties, c’est-à-dire qu’il y a en moyenne à Paris 12 à 15 films qui sortent chaque semaine. Donc il faut faire de la place en permanence. 1) il faut faire de la place et 2), tous les films sont chassés par l’actualité d’un autre film qui arrive, si on engrange pas le plus grand nombre de places en 1ère semaine, de toute façon il perdra quasiment systématiquement 50% de fréquentation en 2ème semaine. Avec toutes les sorties, un film chasse l’autre. Et c’est très rare, j’ai découvert ce terme il n’y a pas longtemps, ces films qu’on appelle des « sleepers » qui sont des films qui tiennent. Ce sont clairement les bons films, qui fonctionnent par le bouche à oreille. Pas d’argent en affichage, pas la tronche de toute l’équipe sur les plateaux télé. C’est vraiment parce que les spectateurs ont aimé. J’ai découvert ce terme avec « La vie des autres », typique du sleeper. C’est vrai que c’est une minorité dans l’exploitation, ces films qui tiennent sur plusieurs semaines, voire qui progressent.

Zem: Ca vous est déjà arrivé de vous engager dans une durée et que le film fasse salle vide sur la fin ?

François: Ca c’est le travail du programmateur. Avec encore un rapport de force très puissant, on ne garde le film qu’en séance de l’après midi ou du soir et on alterne avec un autre film. C’est le boulot du programmateur mais ça ne se passe pas dans la joie et la bonne humeur. C’est pour ça que je dis que c’est vraiment un truc de pit-bull.

Zem: Comment se passe votre collaboration avec le réseau des Écrans de Paris, auquel est rattaché votre cinéma ?

François: Concrètement, il y a une seule personne qui fait la programmation pour 5 salles. Les 5 salles représentent 13 écrans. Ce qui permet, en terme de salles Art et Essai à Paris, d’avoir une bonne force de frappe, de ne pas être tout seul face aux distributeurs. Encore une fois on peut jouer ce rapport de force sur des films qui sont Art et Essai mais qui ne sont pas les plus porteurs. Et après, la bataille c’est tous les Almodovar et les Woody Allen. Tous les grands réalisateurs d’Art et d’Essai qui ont commencé leur carrière sur ce type de salles il y a longtemps. Maintenant, on ne peut quasiment plus les avoir. Les derniers Woody Allen qui ont eu du succès sont sortis à côté, ou il a fallu taper du poing sur la table, aller voir le médiateur pour avoir la copie… et souvent l’avoir avec la salle d’à côté. Il n’y a plus exclusivité. Ce genre de réalisateurs qui était Art et Essai, pour les distributeurs, n’est plus destiné aux salles Art et Essai. Ils sont devenus grand public et ils veulent les mettre dans des salles qui brassent du monde. Même si ce n’est pas l’esprit de la salle, même si historiquement il n’y a pas de lien. Ils sont dans les Gaumont / Pathé, MK2… Si on veut l’avoir il faut faire des pieds et des mains avec le distributeur, on doit s’engager sur la durée de projection du film. C’est-à-dire qu’on prend le film, on le garde 2 mois. Et comme la plupart des films sont virés au bout de 2 semaines, s’engager sur 2 mois est un gros risque. On risque de marcher 2 ou 3 semaines et après on va un peu tirer la langue mais on aura eu le film.

Zem: Si au bout de 2 mois le film est relancé et marche à nouveau, il n’y a pas moyen de le garder ?

François: Quand on l’a et que ça marche, c’est rare que le distributeur vienne nous l’arracher des mains. Par exemple tout bêtement, on a reçu une copie du Prophète avec la semaine Télérama. Là on le garde en petites séances en matinée, l’idée est de garder la copie parce qu’il va peut-être remarcher grâce aux Césars et aux Oscars (Bien vu ! ndlr).

Aineka: L’année dernière, j’étais venu voir Séraphine, après les Césars, ici. La grande salle était pleine.

François: Oui c’est un film qu’on avait reprogrammé. Le programmateur avait pris le film en croisant les doigts pour qu’il ai les Césars. Ça arrive souvent en terme de deuxième carrière de film, il y a cet effet Césars qui peut jouer. Lady Chatterley, et L’Esquive qui avaient eu une très forte deuxième vie après les Césars.

Dans les deux prochaines parties, nous aborderons des cas particuliers de programmation (rencontres avec les réalisateurs, soirée courts métrages…), la rentabilité, et l’arrivé des projections numériques.

]]> http://www.lescineastes.fr/2010/03/interview-escurial-1/feed/ 1 http://www.lescineastes.fr/2010/03/trouver-un-agent-artistique/ http://www.lescineastes.fr/2010/03/trouver-un-agent-artistique/#comments Sat, 06 Mar 2010 19:25:23 +0000 Zem http://www.lescineastes.fr/?p=1835 Collectif Prod. L'occasion pour moi de revenir sur ce métier et la recherche d'agent, étape tortueuse de tout comédien ou auteur.

Outre l'insipide blonde qui animait laborieusement cette conférence, les intervenants étaient plutôt intéressants et connaissaient bien leur métier. Étaient présents Jef Gaillard (agent / TSR Stratégie), Marie Servane Bargy (agent / Synapsis), Catalaine Knell (productrice), Sébastien Lachaussée (avocat) et Stéphane Botti (scénariste).

]]> Mardi 2 mars 2010 avait lieu la conférence sur le métier d’agent artistique organisée par le Collectif Prod. L’occasion pour moi de revenir sur ce métier et la recherche d’agent, étape tortueuse de tout comédien ou auteur.

Outre l’insipide blonde qui animait laborieusement cette conférence, les intervenants étaient plutôt intéressants et connaissaient bien leur métier. Étaient présents Jef Gaillard (agent / TSR Stratégie), Marie Servane Bargy (agent / Synapsis), Catalaine Knell (productrice), Sébastien Lachaussée (avocat) et Stéphane Botti (scénariste).

Ce dernier avait le discours le plus intéressant pour moi, car nous exerçons plus ou moins le même métier, lui étant scénariste et comédien et moi scénariste et réalisateur.

Son parcours professionnel est semé d’expériences plus ou moins fructueuses avec les 3 agents qu’il a pu avoir. Mais plutôt que de retranscrire ce qu’il nous a raconté, j’aimerais revenir sur un point particulier : la recherche d’agent.

En effet, il a passé 7 ans à inviter et relancer sans relâche les agents qui à l’époque où il jouait au théâtre étaient susceptibles de venir et d’être intéressés par son talent. Sept années infructueuses à dépenser une énergie folle à courir après des gens qui sont trop occupés à ne pas s’occuper de vous. De quoi en décourager  beaucoup.

Il y a quelques temps j’ai entrepris une démarche auprès des agences artistiques s’occupant d’auteurs car je commençais à être rémunéré pour mon écriture et je venais de terminer un dossier de long métrage prêt à partir vers les productions. J’ai donc envoyé un email à toutes les agences d’auteurs. Je ne me faisais pas trop d’illusions mais j’ai tout de même été étonné de voir que le discours des agences est le même que les productions : trop sollicitées, pas assez de temps. Pourtant, mon profil aurait pu les intéresser : j’ai de la matière à faire lire et je suis rémunéré pour ce que j’écris (donc un revenu certain pour l’agent). Alors que manque-t-il ?

Les quelques retours que j’ai pu recevoir me disaient qu’ils ne « recherchaient actuellement aucun talent ». Durant la conférence, des chiffres ont été donnés. 17 000 acteurs et actrices sont répertoriés en Ile-de-France pour 170 agents artistiques. Combien de ces 17 000 acteurs sont représentés ?

Heureusement pour moi, les opportunités arrivent d’elles-mêmes (ou presque), et je peux me passer d’un agent (et garder les 10% qu’il me prendrait au passage). Mais jusqu’à quand ? Qui faut-il connaître pour être entendu ? Qui doit-on avoir dans son carnet d’adresses ?

Je suis conscient de la difficulté du métier d’agent mais quand des artistes « rentables » n’ont pas accès à une représentation alors que certaines agences débordent de chômeurs, je pense qu’il y a un problème.

Mais où se trouve ce problème ? Je pose la question.



==== Fiche du Court métrage ====

Nom : Omnibus
Date de sortie : 1992
Genre : comédie
Réalisateur : Sam Karmann Avec Jacques Martial, Daniel Rialet, Christian Rauth
Durée : 8′03

Synopsis : Un homme qui a tout mise sur son emploi est désarçonné le jour ou son employeur, la SNCF, décide de modifier son emploi du temps.

Pourquoi on l’aime : Un court métrage très sympa maintes fois primé dans les festivals, dont une Palme d’Or à Cannes.

Qu’en avez-vous pensé ?

Jeune inconnu : Il faut bien admettre qu’il y a une vraie différence entre le cinéma américain et le cinéma français. Je veux dire, ne serait-ce par le traitement de l’image. Les films français sont dégueulasses, et les films américains ils ont de la gueule. C’est pour ça que je préfère les films américains. Non, et toi ?

Sur le coup je n’a pas su quoi répondre. Pas que je n’ai pas de préférence, même si j’ai tendance à défendre davantage le cinéma français. Je crois que je le défends de la même manière qu’un animal pourrai défendre son territoire. Mais aussi parce que je le considère plus en danger, en danger face à des gens comme ce jeune inconnu pour qui l’esthétisme est synonyme de qualité de cinéma.

Je ne lui ai donc rien trouvé d’intelligent à dire sur le coup, mais sa remarque m’a marqué. Elle a soulevé pour moi une vraie problématique :  pourquoi le public perçoit une telle différence sur une image qui est vraisemblablement filmée par le même appareil ? Le matériel, le type de caméra est sans doute le même utilisé de chaque coté de l’Atlantique. Pourtant, la plupart des gens s’accordent à dire que les images américaines sont plus belles. Pourquoi ?

Deux cultures de Cinéma

Je pense, pour défendre le cinéma qui m’est cher, que ces deux cinémas ont deux approches différentes de l’image et de ce média en particulier. Aux Etats-Unis, le cinéma contribue souvent à faire rêver le spectateur, à l’éloigner de la réalité. « Bigger than Life » comme dit l’expression. De fait que même lorsqu’un film veut être réaliste, les acteurs sont maquillés, la lumière toujours très travaillée.

L’acteur Gaspard Ulliel, après sont expérience américaine sur Hannibal expliquait qu’il était surpris de voir les acteurs jouer autant avec la caméra. C’est-à-dire adapter leur jeu en fonction du cadrage et qu’ils cherchaient à prendre la lumière… En France la culture du jeu est plutôt inversée : les acteurs cherchent à laisser la caméra capturer leur jeu, leur vérité. Les acteurs sont bien moins maquillés et les lumières artificielles plus rares. Ces différences, même filmées par la même caméra, donnent deux images distinctes.

En cette période de remises de prix, vous pourrez constater une différence qui, à mon sens, est culturelle dans la conception des films. Il existe les Oscars et les Bafta (Oscars britanniques) pour les catégories de meilleurs maquillages et meilleurs effets visuels.

De même qu’il y a un Oscar destiné aux films d’animation. Mais il faut dire que pour beaucoup, en France l’animation ne fait pas partie du cinéma et pour cause elle n’est pas enseignée dans les écoles de cinéma. L’animation s’enseigne surtout dans les écoles d’infographie.

Honnêtement, même si je défends le cinéma français et pense que les images ne sont pas vraiment plus belle là-bas qu’ici, je trouve qu’il y a un vrai retard culturel quant à de nombreux métiers du cinéma (maquillage, effets visuels et animation).

Avant d’ajouter un César de la comédie ou du box office, M. Alain Terzian, président de l’académie des Césars, rétablissez la place de corps de métiers nécessaires au cinéma d’aujourd’hui.

Pour parler de Shutter Island de Martin Scorsese, je ne vais pas développer une critique du film, les sites spécialisés et les blogs dédiés le font déjà très bien.

Ce n’est pas ce que j’ai dit, mais si j’avançais qu’il s’agit d’un film parfait, certains cinéphiles se lèveraient et lanceraient un « Oh bah tu sais, c’est une adaptation d’un bouquin ». Et j’ai vu des cinéphiles grincer des dents lorsqu’on leur disait qu’un film qu’ils ont adoré est une adaptation. Certaines têtes pensantes voient l’adaptation comme un point négatif au film, qui le dévalue par rapport à un scénario original. L’authenticité de l’oeuvre en prend un coup.

Mais qu’est-ce qu’un film ? Pour moi, un film n’est pas seulement constitué d’un scénario, des techniciens, des acteurs et d’un réalisateur. C’est avant tout le résultat d’une collaboration artistique, quelle qu’en soit l’origine. L’auteur d’un roman adapté au cinéma a-t-il moins de mérite qu’un scénariste ? Ce dernier est-il plus fort, plus intelligent et plus beau ?

Je ne crois pas. Qu’une personne soit un écrivain de roman, de pièce de théâtre ou un scénariste, elle est avant tout un artiste. Et elle passe par les mêmes émotions et la même recherche que n’importe quel autre artiste. Comment peut-on faire le reproche à un film d’être une adaptation ?

J’en parlais à l’occasion de la master class de Francis Ford Coppola. Il expliquait que l’auteur d’un film tiré d’un roman était avant tout l’auteur du roman, il ne manquait jamais de mettre le nom de l’auteur en tête, puis le sien (« Mario Puzo’s Godfather », « Bram Stoker’s Dracula »).

Donc oui, c’est du Scorsese. Oui, c’est avec DiCaprio. Oui, ce n’est rien qu’une adaptation. Oui, c’est un film parfait.

Fiche du Court métrage

Nom :Vegeterrible
Date de sortie :2010
Genre : Animation, dessin
Réalisateur : Henrik Sonniksen et Benjamin Nielson
Production : Animation WorkShop
Durée : 02:57
Synopsis : Un avocat pourri atterrit dans une fiesta mexicaine de fruit et la fête tourne mal… Le dernier combat de la tomate.
L’avis de Court-métrages.fr : Les animations sont remarquables, et limite on se bat avec la tomate tellement on veut à nouveau l’ambiance de la fiesta mexicaine…

Qu’en avez-vous pensé ?

Pas vraiment…

Marre du format conventionnel ? Ce qui vous intéresse vraiment c’est la longueur du travelling du plan séquence de la scène n°43 ? Eh bien « Science of the movies » est faite pour vous.

Ici pas de paillettes ni de tapis rouge, juste Nar, un blogueur qui tend vers le geek et se passionne de science fiction et de technologie.

En plus de ses connaissances, de son background de rédacteur et de sa curiosité, le bonhomme a ses entrées dans les plus gros studios d’effets spéciaux d’Hollywood.

Au menu, l’étude des techniques de prises de vues et d’effets spéciaux les plus ambitieuses qui ont imposé de véritables révolutions à l’écran.

Le « Bullet Time » de Matrix, le T1000 de Terminator ou encore l’animation des personnages d’Avatar, entièrement basée sur les faciès de vrais acteurs, n’auront plus aucun secret pour vous.

Ce genre d’initiatives se doit d’être relevée. Qui plus est, l’émission n’est diffusée que sur une chaîne du satellite, elle est donc assez dure à visionner ce qui mérite un coup de pouce.

Plus d’infos, par ici.

Fiche du Court métrage

Nom : Love at first sight : Episode 1 « sounds »
Genre : Romance
Date : 2010
Réalisateur : David Dang
Acteurs: Anna Langner et Jean Stephane
Matériel : Canon 5D
Temps de tournage : 48 heures
Durée : 03:36
Synopsis : L’amour au premier regard…

Avis les courts-métrages.fr : La technique est parfaite, le jeu des acteurs est remarquable, j’ai passé  un bon moment et je dis à quand l’Episode 2 ?
Site du court : http://www.love-at-first-sight.fr/

Qu’en avez-vous pensé ?

Pendant plus de deux heures, le film nous entraine dans des décors magnifiques et des effets réussis, mais plombe le tout par un scénario incohérent et long à souhait. Peter Jackson multiplie les effets spéciaux pour combler le vide qui nous sépare d’un climax très moyen où finalement rien ne surprend.

Jackson s’est permis un délire pour son propre plaisir, mais il oublie le spectateur qui risque de s’ennuyer pendant une bonne partie du film. La technique, aussi réussie soit-elle, n’apporte strictement rien à une histoire qui ne manque pas de scènes clichés.

En voyant un tel film, on est en droit de se demander si on doit tout accorder à un réalisateur devenu maître en la matière. Ce film aurait-il été produit s’il était défendu par un réalisateur inconnu ? Je n’y crois pas une seule seconde.

En tout cas, je retiens tout de même la belle prestation de Saoirse Ronan, et l’excellente musique de Brian Eno.

Enfin, peut-on vraiment faire un film qui se base uniquement sur la technique ? Un film peut-il se contenter de belles images ? En tout cas, ce long-métrage vient d’y donner une belle réponse.

Le 10ème anniversaire du Micro Salon se déroule les vendredi 12 et samedi 13 février 2010.

Vendredi de 10h à 20h

Samedi de 10h à 17h

à La FEMIS, 6 rue Francoeur, 75018 PARIS

Ce salon de techniciens permettra aux visiteurs de s’attarder sur les dernières nouveautés concernant les caméras, la machinerie et la lumière mais aussi d’assister à des projections concernant les pellicules et la post-production.

Voir les détails sur les présentations des membres de L’AFC sur le salon.

Pour l’inscription : cliquez ici.

Nous vous attendons dès lundi pour nous faire part de vos impressions sur ce salon dans les commentaires.

Fiche du Court métrage

Nom : La vieille femme aux dents jaunes
Genre : conte
Date : 2007
Réalisateur : Fabien Bonali
Production :  Les films à fleur de peau
Acteurs : Francia Segui, Thomas Smith
Natateur : Vernon Dobtcheff
Durée : 08:24
Langue : Français, sous-titres anglais
Synopsis :Il était une fois un vieil homme , qui vivait son dernier rêve… Pas à pas la mémoire s’effa, tout devient sombre. L’obscurité tombe peu à peu sur ma vie et de toute cette vie passée il ne restera rien. Rien d’autre qu’un souvenir… celui d’un enfant qui ne voulait pas grandir et d’une vieille femme seule au sourire étrange.
Avis les courts-métrages.fr : Cet hommage, touchant, est la vision par un enfant d’une rencontre parfois difficile mais souvent très affectueuse. Les images à travers le regard d’un enfant.

Préambule : voici une pensée venue de l’intérieur, de ces entreprises que l’on appelle « sociétés de production ». Agent infiltré et rémunéré, j’officie au quotidien comme assistant de production (fonction hautement intéressante et polyvalente) pour l’un de ces maîtres de la pellicule que l’on appelle producteurs. Si je suis pris ou tué, vous nierez avoir eu connaissance de mes agissements, bien évidemment.

On parle tant et tant des difficultés à entrer dans le monde du cinéma qu’il est difficilement imaginables d’en voir la partie immergée, celle où des gens comme vous et nous travaillent sur nos films chéris. Et c’est lorsque la chance vous sourit que vous vous retrouvez tel Alice de l’autre côté du miroir, à regarder le monde extérieur tenter lui aussi d’intégrer cette « grande famille » du cinéma.

Or donc, comment aborder ce milieu extrêmement protecteur et réservé pour tout cinéaste qui se respecte ? Prenons le cas d’un auteur de scénario, qu’il soit scénariste ou (la plupart du temps) scénariste/réalisateur. Il est une tâche ardue, celle de devoir vendre son oeuvre à une société de production, seule à même de pouvoir créer le film. Et passer d’artiste à VRP ne s’improvise pas. C’est un peu comme chercher un emploi, ça demande une préparation en amont, et c’est souvent là que les choses se compliquent.

Je n’aurai pas l’arrogance de vouloir faire un état exhaustif d’un abécédaire d’une présentation de scénario, n’étant pas moi-même auteur, mais certains points semblent évidents pour ne pas être jeté dans les deux minutes à la corbeille. Et vu le peu de places à prendre, l’auteur a intérêt à soigner sa présentation.

Quelques petits trucs donc, après réception de quelques scénarios :

- Je passe les fautes d’orthographes, etc. non ?

- Sélectionnez votre producteur. Surtout si la société a quelques années d’existence, sa filmographie vous guide pour choisir parmi les centaines qui existent. Sinon c’est l’impasse assurée.

- Constituez un dossier simple : le scénario, le synopsis, une note d’intention, votre CV. Vous pouvez l’appuyer avec d’autres éléments (photos de pré-repérages, collaborateurs…), mais n’en faites jamais trop (dans l’épaisseur du moins). N’oubliez pas qu’ils reçoivent des dizaines de projets par semaine, et qu’ils ne sont pas obligés de les lire…

- De même, une présentation simple et sobre sera plus efficace qu’un enchevêtrement de style et d’effets visuels. Ça ne vous empêche pas d’avoir des idées ! Reliez l’ensemble des éléments pour faire plus efficace.

- Ne mélangez pas les pièces du dossier. Déjà vu : dans le scénario, à chaque séquence, un paragraphe expliquant l’intention de l’auteur. Brouillon, illisible et quelque peu insultant pour le lecteur. Généralement, s’il commence la lecture, il lira l’ensemble de votre dossier, et mieux vaut lui laisser la liberté d’imaginer l’histoire avant de lui en expliquer les tenants et les aboutissants.

- Ecrire une jolie lettre d’introduction à l’ensemble, en y laissant vos coordonnées. Ça fait bien, personnalisé et ça montre votre motivation !

- Ce qui peut montrer votre détermination, c’est aussi de porter votre projet en mains propres à chaque producteur. Plus contraignant, mais il faut se battre quelque fois pour se faire une place au soleil ! Evitez en tout cas l’e-mail anonyme, sans autre explications ; téléphoner à la production n’est pas inutile quelquefois.

Voilà quelques informations qui sont tirées de choses vues de l’intérieur, en espérant que cela puisse (un peu) servir. Il reste ensuite une bonne dose de chance, de contacts et de mystères dans toutes ces démarches. En espérant que rapidement vous n’ayez plus à vous présenter à un producteur, mais que ce soit lui qui vienne vous chercher…

A cette occasion, je trouvais intéressant de faire vous partager l’avis de réalisateurs confirmé et reconnus. Étrangement, on les sens parfois mal placés pour répondre…

« Où va le cinéma ? »

La réponse de Michel Hazanavicius

Le réalisateur des OSS 117 exprime surtout son point de vue sur ce qu’est le cinéma d’aujourd’hui et sur le téléchargement.

La réponse de Jaco Von Dormael

Le réalisateur de Mr. Nobody donne son regard d’artiste optimiste sur cette industrie en évolution.

La réponse de Rithy Panh

Le réalisateur cambodgien pose un regard universel et balance au passage sur l’industrie et sur Home de Yann Artus-Bertrand.

La réponse de Nicolas Saada

Ce scénariste et jeune réalisateur n’aborde pas l’avenir mais pose un regard critique sur la situation actuelle.

La réponse de Wim Wenders

La réponse de ce grand réalisateur est la plus complète. Il aborde les questions d’évolution technologique , de la technologie 3D et de la direction d’acteur avec ces nouvelles perspectives. Il s’est aussi exprimé sur les rapport qu’entretiennent artistes et industriels du cinéma : « les gens qui contrôlent les normes contrôlent de plus en plus les contenus, ce qui provoque la disparition du vrai cinéma ».

Ces réponses furent donné le 6 décembre 2009, lors du festival de l’industrie du rêve. Cette rencontre s’est terminée par un discours du philosophe Régis Debray:

Le cinéma va continuer à être l’art majeur car il accueille le plus de technologies et l’esprit du temps va se déposer précisément ici. (…) Nous vivons l’époque des hybrides et le numérique pousse, au final, à une enfantisation. (…) Il ne faut pas oublier qu’un film reste un prototype. Les technologies nouvelles font ressurgir le côté primitif de l’homme. La vraie question des supports se pose au niveau des stocks. Où va passer la mémoire du cinéma ? (…) Mais je vous rassure tout de même, nous avons encore un bon siècle devant nous et nous pouvons donc partir tranquille.

Avis personnel

Je ne sais pas dans quel direction ira le cinéma, mais j’ai quelques opinions sur où iront les cinémas.

Je pense qu’il y aura un essoufflement des suites et de la mode des films de super héros. En exemple la fin de la série des Spider-Man réalisés par les Sam Raimi et interprétés par Tobey Maguire : trop peu d’espace de créativité, ce sont des produits de studios.

Le succès indiscutable d’Avatar va encourager les studios à la création d’univers originaux. La 3D va se développer sur la plupart des blockbusters. Places plus chères, meilleure rentabilité et le public a la sensation d’en avoir pour son argent.

De nombreuses personnes se diront :  « Si ce n’est pas en 3D, pas besoin d’aller au cinéma. » La TV en 3D arrive bientôt, donc certains n’iront même pas payer pour voir un spectacle moins beau que dans leur salon.

Je pense aussi que la 3D va prendre une vraie place dans le « cinéma traditionnel », j’ai vraiment hâte de voir comment des créateurs tel que David Lynch ou Wim Wenders utiliseront ces technologies.

L’Art n’étant pas synonyme de divertissement, il persistera mais sera de moins en moins rentable. Il se fera donc à moindre coût. Le numérique remplacera la pellicule dans le cinéma indépendant, faute de moyens.

Mon vrai souci reste la distribution des films. Il y en a de plus en plus et même trop ! C’est une bonne et une mauvaise nouvelle dont je ne connais pas l’issue.

Pour finir, je pense que le statut d’intermittent du spectacle va disparaître d’ici quelques années. Le gouvernement actuel de par ses mesures fait en sorte qu’il est de plus en plus difficile d’avoir ce statut et de le garder d’une année sur l’autre. En tant que comédien j’ai abandonné la quête du statut d’intermittent. J’ai bien compris qu’il y avait trop de comédiens en France et pas assez de ressources pour les nourrir tous.

Chers amis internautes et cinéastes, je souhaite sincèrement que le cinéma de demain vous ressemble. Comment voyez-vous le cinéma de demain ?

]]> http://www.lescineastes.fr/2010/01/synthese-avenir-cinema/feed/ 2 http://www.lescineastes.fr/2010/01/nuri-bilge-ceylan-cinema-turc-contemporain/ http://www.lescineastes.fr/2010/01/nuri-bilge-ceylan-cinema-turc-contemporain/#comments Fri, 29 Jan 2010 10:00:14 +0000 HusoBey http://www.lescineastes.fr/?p=1537 Comme vous le savez peut-être, c’est la saison de la Turquie en France depuis juillet 2009 jusqu’à fin mars 2010. Cette saison a vu naître plusieurs évènements tels qu’une semaine de conférences sur la Turquie, un concert de Mercan Dede en juillet ou encore l’exposition « De Byzance à Istanbul » au Grand Palais. Et côté cinéma, on peut également noter l’édition d’un coffret intégral des films de Nuri Bilge Ceylan. Une bonne occasion de parler de ce réalisateur qui représente à lui seul la nouvelle génération de réalisateurs en Turquie.

Son cinéma est souvent comparé à des toiles de peinture, parce que sa mise en scène est encrée dans des plans lents et des dialogues minimalistes. Loin des films populaires, il prend le risque de raconter l’histoire d’une Turquie contemporaine à travers des personnages qui tentent de s’y faire une place.

Je fais le choix délibéré de ne pas vous en dire plus, si ce n’est vous inviter à commencer par regarder son dernier film, Les Trois Singes, qui est à mon sens un des meilleurs qu’il ai réalisé. C’est un cinéaste à découvrir pour se faire une idée de ce que nous réserve le cinéma Turc de demain.

Mais comment est-on venu au cinéma Turc d’aujourd’hui ? J’essaierai dans un prochain article d’analyser l’histoire du cinéma Turc à travers ses problèmes et ses succès, en présentant les réalisateurs à suivre de près.

Que vous évoque le cinéma Turc ? Quels films turcs avez-vous déjà vus ?

]]> http://www.lescineastes.fr/2010/01/nuri-bilge-ceylan-cinema-turc-contemporain/feed/ 0 http://www.lescineastes.fr/2010/01/a-serious-man-serieuse-deception/ http://www.lescineastes.fr/2010/01/a-serious-man-serieuse-deception/#comments Wed, 27 Jan 2010 18:23:03 +0000 Hephaistos http://www.lescineastes.fr/?p=1567

Mes réflexes ne me poussant pas naturellement vers l’analyse filmique, c’est donc à leur encontre que j’irai aujourd’hui et que je fournirai un « point de vue » sur un film encore à l’affiche.

Comme toute chose ne va pas de soi, une petite précision contextuelle s’impose. Dimanche soir, une nuit de boulot dans les jambes, je prends la décision, après diverses tergiversations sur le choix du film, d’aller voir « A Serious Man » des frères Coen au cinoche.

C’est donc guilleret que je franchis les portes de la salle obscure la plus proche, quelques répliques de « The big Lebowski »  et d’ « O’Brother » encore en tête.

J’aurais dû me rappeler de « No country for old men »…

Légèreté, humour bien choisi et scénario délirant étaient les ingrédients parfaits d’une soirée « à la cool » réussie. Les frères Coen méritaient bien le déplacement et sauraient à coup sûr me satisfaire. Critiques élogieuses, nominations nombreuses… c’est à 100% convaincu du plaisir à venir que je m’asseyais dans un fauteuil miteux, complètement excentré du petit écran d’une salle bondée.

La bobine se lance dans le projecteur et… info utile qui servira aux futurs spectateurs : non ce n’est pas une bande annonce. Le court-métrage n’a pas non plus été réinstauré avant projection. C’est bien le film qui a déjà commencé depuis 10 minutes alors qu’on se pose la fatidique question « C’était bien la salle n°3 ici ? »

J’étais donc au bon endroit, et pourtant, si loin de mes attentes… chose qui se confirmera tout au long de la projection.

« A Serious Man », pour ne pas trop raconter le film et briser le suspens de ceux qui ne l’ont pas encore vu, c’est la vie de tous les jours d’un juif, avec vraiment pas de chance.

Les acteurs sont parfaits, les dialogues bien écrits, un certains suspens s’installe, la sauce prend petit à petit, et c’est affamé qu’on attend le grand chambardement. Pour ceux qui ont vu « Les chiens de Paille » de Sam Peckinpah avec Dustin Hoffman, c’est le même genre de rythme qui s’installe dans la première partie. Comment pousser dans ses retranchements un héros calme et réfléchi.

L’attente insoutenable atteignant son paroxysme, c’est là qu’enfin, tout se passe : absolument rien.

Le soufflé qui retombe dans le four, le plat contenant un gâteau appétissant qui glisse des mains et s’éclate par terre, le jouet retiré des mains d’un enfant… la déception, quoi.

Pour employer un exemple plus frappant, c’est comme si après les 45 premières minutes d’Alien, durant lesquels on s’imprègne de l’atmosphère du vaisseau et des personnages avec détails et douceur, la bête n’existait tout simplement pas et les gentils astronautes rentraient avec un gros rhume sur leur planète, et rien de plus. Fermez les rideaux, fin du spectacle, circulez y a rien à voir.

A 8 euros la place (ce qui reste peu cher dans la moyenne des tarifs), je m’attendais quand même à en avoir un peu plus. Pour les quelques millions de dollars que coûte la production de cette catégorie de films je trouve ça quand même léger. Ce qui pourrait être la meilleure réplique tombe même à l’eau puisqu’elle tourne déjà en boucle dans la bande annonce.

La hauteur de mes attentes et le nom des réalisateurs sont sans doute pour beaucoup dans ma déception. Sentiment qui prend malheureusement le pas, malgré un potentiel qui allait, à mon avis, au-delà.

Autre problème majeur que j’ignorais complètement avant visionnage : si vous n’êtes pas juif, c’est malheureux mais vous ne comprendrez pas grand-chose au principe du film. Bon j’abuse un peu certes, mais heureusement que je connaissais les termes « goy » ou « Bar Mitzvah » sinon je n’aurais rien entravé. Les références et l’univers vraiment propre à cette communauté font de ce film un produit un peu… réservé. Je pense donc être passé à côté de pas mal de subtilités, ce qui est assez frustrant.

Cela dit, attention à ne pas se vexer hâtivement de mes propos. J’aurais dit la même chose si le film parlait des Papous de Nouvelle-Guinée sans tenir compte des spectateurs non initiés.

Les critiques étant élogieuses, et les sélections nombreuses, je me dis que je dois vraiment avoir loupé quelque chose. Cependant et comme je ne m’arrêterais pas à une simple analyse, j’aimerais ouvrir le débat de la manière suivante :

Donne-t-on du crédit à un film du seul fait de ses réalisateurs ?

Par exemple, en le justifiant par une espèce de génie décalé, à l’aide de longues tirades philosophiques, dont la subtilité ne toucherait que les plus aguerris. En gros trouver une intelligence là où il n’y en à pas forcément…

Fiche du Court métrage

Nom : Logorama
Style : Animation, 3D
Genre : humour
Date : 2010
Réalisateurs : Logorama H5
Acteurs : Bibendum, ronald et tous les marques…
Durée : 10″
Langue : Anglais mais facile de compréhention
Synopsis : Ronald se fais traquer par Bibendum…
Avis les courts-métrages.fr : Un magnifique court réalisé uniquement avec des marques qui montre bien que nous somme entourés chaque jours par d’innombrable marques…

[ Mise à jour : Vu la prolifération de ce court sur la toile, nous le republions ! ]

Ouvrez votre tiroir/répertoire et lisez les scénarios que vous avez écrit jusqu’à maintenant. Que ce soit de la science-fiction, un drame ou un policier, vous n’y verrez que vos pensées, vos sentiments, votre histoire, bref, vous ne verrez que vous-même. Hormis l’ego prononcé en chacun de nous, qu’est-ce qui explique ce phénomène ?

L’envie d’écrire un scénario ne vient pas du jour au lendemain. Chaque artiste veut raconter une histoire à sa manière, parce que ça l’a ému, parce qu’il veut se libérer d’un poids, ou parce qu’il veut la raconter au plus grand nombre. Il veut la raconter parce que ça lui tient à cœur, ça le concerne. Et parmi ces artistes, certains l’expriment par la photo, la peinture, ou par le cinéma.

Pour ma part, je l’ai remarqué dans tous les scénarios que j’ai écrits. Finalement je ne parle que de moi-même, et si l’on regarde bien, les plus grands réalisateurs nous parlent d’eux à travers leurs films. Que ce soit Le Parrain de Coppola où, finalement, c’est l’histoire de sa propre famille qu’il nous étale pendant plus de deux heures ou Mean Streets de Scorsese où le personnage principal n’est autre que lui-même. La liste est longue, et rappelez-vous que chaque réalisateur aura une réponse instinctive à la question « Si vous étiez un personnage de votre film, lequel seriez-vous ?« .

Un bel exemple est Sympathy for M. Vengeance de Park Chan-Wook, où il explique qu’il se voit comme étant le père qui cherche à se venger pendant le film. Bien entendu, il ne manque pas de faire la part des choses entre la fiction (l’atrocité des scènes) et la réalité (l’amour du père pour sa fille).

On peut donc se poser la question de savoir où est la limite entre un scénariste et son écrit.

A lire également : Pour qui fait-on un film ?

Et vous, où êtes-vous dans vos personnages, vos histoires ?

==== Fiche du Court métrage ====

Nom : 9 – nine
Date de sortie : 21 avril 2005
Genre : Animation 3D
Réalisateur : Shane Acker
Durée :10′36
Synopsis : 9 est une poupée qui est la dernière de son espèce. Elle vit dans des ruines d’un monde parallèle et est chassé par un monstre mécanique qui a tué 8 de ses amies pour leur voler leurs âmes…

Pourquoi on l’aime : Le court métrage qui permit à son réalisateur d’en faire un long métrage… grâce à Tim Burton !